THE CLASSICAL REVOLUTION Thoughts on new music in the 21st century


Published by the Scarecrow Press, New York, in 2013


The subject matter of ‘The Classical Revolution’ is the current emerging of a new music, which is rooted in premodernist tonal traditions. In painting, figurative realism – which was marginalized by modernism (abstract art, concept art) but never entirely disappeared – is enjoying a revival; a couple of contemporary architects are increasingly successful in recreating something of the classical tradition in building (Krier, Terry, Adams, Greenberg), in spite of fierce opposition from a conventional establishment. And now also in serious music, ideas of revival and restoration are appearing – somewhat later than in the other art forms, as usual. There has already been written about new figurative painting and new classical architecture, but new classical music is still a rather virginal territory.

In this text the philosophical and aesthetic position of new classical composers is explained, a position which is sometimes misunderstood because the music does not sound like the usual ‘new music’ as musicians and audiences have been taught to expect. One reason is the misunderstandings which still surround modernism, the movement which countered great difficulties in terms of acceptance within the central performance culture, with the result that ‘new music’ has created its own, alternative space at the margins of the cultural sphere. The heart of the text is the description of the difference between music and sonic art, from which the negative reputation of much new music becomes understandable and new classical music can be seen as an attempt to heal the breach between contemporary music and the central performance culture. Also the labels of ‘progressive’ and ‘conservative’ are analysed and shown to be no longer appropriate for the current situation in music life.

All art forms are mimetic, which means that they are a representation of reality as aesthetically experienced by man. This means that, in contrast to science, the arts are subjective by nature: they include the personal interpretation of one human being (the visual artist or composer) to be communicated to another human being (the viewer or the listener) whereby the emotional (subjective) factor is essential. In the last century, new art forms appeared which either took distance from reality (abstract painting) or presented fragments of reality itself (concept art). In music – the subjective art form par excellence – instead of expressive interpretation as it had been practiced since medieval times, a quasi-objective kind of music appeared without mimesis, sonic art. This new sound art never found a welcome place in the general performance culture because of its fundamental difference from music; ignoring this difference results in unfair and distorting assessments of both sonic art and music.

In this extended essay, the difference between music and sonic art is shown to be the reason of the rejection (in the central performance culture), by audiences and musicians alike, of this kind of ‘new music’ since its inception by Schönberg in the twenties of the last century. Because sonic art, after the Second World War, pretended to be the only way new music was developing, the reputation of new music within the central performance culture sank to a record low. The rejection of past practice and all forms of tradition resulted in a loss of expressive possibilities, and even while nowadays many composers seek a way back into the fundamental norms of music (often borrowing from pop and world music), only a reinterpretation of the tenets of tradition can reinstall the high quality standards which form the basis of the canonic repertoire as practiced in music life. In this context, the concept of tradition is seen as a living, dynamic and flexible process, focussed upon practice, and not as a prescriptive orthodoxy based upon a linear reading of music history along progressive lines.

The purpose of the book is to invite debate about the nature of new music and its role in the broader context of contemporary culture and about related issues like cultural identity, meaning and beauty. New classical composers are increasingly successful in the central performance culture because they offer a fresh approach to the problems that still surround contemporary music, where a ‘new music establishment’ with outdated ideas still holds a grip upon production, reception and funding of new music.

A new edition by Dover Publications NY is being prepared (to appear in August 2017).


               Table of Contents

Introduction: Classical music – a dying culture?

Chapter 1: The classical revolution: the shock of the old

Chapter 2: The fallacy of modernism, I

Chapter 3: The fallacy of modernism, II

Chapter 4: Temples of delight: how not to build a concert hall

Chapter 5: The enduring presence of the past

Chapter 6: The search for meaning

Chapter 7: The cultural shopping mall: pluralism and choice

Chapter 8: Conclusion: the debate about beauty

Chapter 9: Some composers




From the press:

The recent Musical Opinion article by Dutch composer John Borstlap on the problem of gaining exposure for music written in ‘pre-modern’ tonal traditions is developed in his new book, taking as a starting-point the Orwellian epigram: ‘In times of universal deceit, telling the truth becomes a revolutionary act’, a view Hans Keller might have shared in 1985 on describing the BBC’s Broadcasting in the Seventies proposal as ‘a major exhibit in the evidence of the decline of the West’. Is the restoration of musical traditions desirable or even possible in today’s multi-cultural Europe? How may traditionally-based music reach a wide audience in overcoming today’s pervasive pop/tv-driven culture and ‘academic, almost sterile, atonal tradition’? Is this the price we continue to pay for Nazism and a once-great universal art’s destruction? Borstlap’s solutions form a challenging argument that all who care about music and its place in society should absorb. Musical Opinion

Thoughts on New Music in the 21st Century is rich in arguments, worthy of discussion…. Because of the numerous issues raised (including the relationship of originality and aesthetic quality, the relationship with non-European cultures, the importance of spirituality), Borstlap’s book about the current issues of composition and a new classicism is an important contribution to musical aesthetics. Die Tonkunst

In ‘The Classical Revolution: Thoughts on New Music in the 21st Century’, John Borstlap offers an excellent and expansive view of where we now are in the larger world of contemporary art music (music in the tradition of Western classical music), both in America, and from his vantage point, in Europe. Academic Questions


Reviews on Amazon:

5.0 out of 5 stars

A cultural rift explored

May 20, 2013

By V. Head

This review is from: The Classical Revolution: Thoughts on New Music in the 21st Century (Modern Traditionalist Classical Music) (Hardcover)

I can wholeheartedly recommend this book. It deals with a wide range of cultural questions surrounding the issue of modernity. John Borstlap has a passion for the subject and communicates with great precision and thoroughness. He is not afraid to argue his points with force but, I think, always with dignity and a dash of humour.

This book reveals the extent to which modernist ideology has inhibited (after reading Borstlap, I’m tempted to say `prohibited’) any alternative aesthetic principles. It’s a real eye-opener; I hadn’t realised the extent of the problem.

Despite its controversial findings and forthright tone, ‘The Classical Revolution: Thoughts on new music in the 21st century’ exudes optimism and can be enjoyed by the non-musician. In fact, anyone with an interest in the cultural activity of our times, with an eye to the future, should read this book.


5.0 out of 5 stars

Superb summation of classical music today

January 3, 2017

By Books n’ music fan

By far one of the very best books to encapsulate the state of classical music today. The author works his way around each and every aspect of the music business, particularly the philosophical pitfalls that has driven this art form on to the endangered species list.

4.0 out of 5 stars

Schönheit statt Zerstörung

19. Juli 2014

Dr Klaus Miehling

Dieser Band eröffnet eine von Walter Simmons herausgegebene neue Reihe zu moderner traditionalistischer klassischer Musik. Während sich bisherige Schriften dieser Geisteshaltung auf die Kritik an der Avantgarde konzentrierten, so verspricht diese Reihe eine Beschäftigung mit der jahrzehntelang unterdrückten Alternative.

Borstlaps Kritik richtet sich in erster Linie gegen atonale Musik; dabei zeigt er sich diplomatisch, indem er ihr den Kunstwert nicht abspricht. Er nennt sie „sonic art“ (entsprechend dem deutschen Begriff „Klangkunst“), sagt jedoch, dass es sich eben nicht um „Musik“ handle: „Klang als solcher unterscheidet sich von Musik, denn Musik transformiert Klang in emotionalen, seelischen Ausdruck; sie geht weit über seine physikalische Präsenz hinaus, während die Klangkunst dort stehenbleibt“ (S. 39 – alle Zitate von mir übersetzt). Tatsächlich wäre Klangkunst bzw. Atonalität vor dem 20. Jahrhundert schwerlich als „Musik“ bezeichnet worden, und es ist das gute Recht des Autors, eine Erweiterung des Musikbegriffes nicht zu akzeptieren. Ich würde mich dagegen eher der Erweiterung des Kunstbegriffes verweigern, aber durchaus von Musik im Sinne gestalteten Klanges reden. Neben dieser neuen Musik oder Nicht-Musik kritisiert Borstlap auch die „Minimal Music“, die zwar „oft recht nett klingt“, während aber „ihre Ausdrucksmöglichkeiten sehr beschränkt sind und sich ihre Effekte mit der Dauer abnutzen“ (S. 4).

Der „modernism“, also die atonale Musik, „ist seiner tiefsten Natur nach ein totalitäres, auf den Kopf gestelltes Glaubenssystem, künstlich, antihumanistisch, antizivilisatorisch, und unbeabsichtigt ein passender Ausdruck der totalitären Gesellschaften, die Europa im vorigen Jahrhundert zerrissen haben“ (S. 8). Das „Klassische“ dagegen ist „ein dynamisches Konzept, eine Idee des Wiedererschaffens einer großen Kunstform, eine der größten Gaben an die Menschheit. ‘classical music’ ist demnach als ein Begriff zu verstehen, der die westliche Kunstmusik von ihren frühesten Anfängen mit dem gregorianischen Gesang bis zum Ausbruch des Modernismus im 20. Jahrhundert“ (S. 11) beschreibt. Dabei ist die Schönheit („beauty“) „eine normale, wenn nicht stets die wichtigste Zutat“ (S. 121).

Belege für die Absurditäten der Avantgarde (Borstlap verwendet den Begriff nicht, aber bei uns ist er geläufig) gibt es in diesem Buch weniger als in anderen, doch ein aktueller Fall sei herausgegriffen: Da ließ ein Komponist seine Kinder auf dem Keyboard herumklimpern, speiste es in ein Notensatzprogramm und schickte es an einen niederländischen Kulturfonds, der ihm dafür 3.000 Euro überwies (S. 4) und (wie man in einem Youtube-Video erfährt) gleich noch den Auftrag für eine Oper erteilte. Kein Wunder, dass Borstlap für solche „Experten“ nicht viel übrig hat: „Die ‘Experten’-Komittees […] bestanden meist aus Leuten, die in klassischer Musik nicht mehr zu hören vermögen als ein Haustier – Spezialisten, die nicht die Musik hören, sondern nur die Töne, die sie produziert (S. 61)“. Wenn überhaupt, möchte man hinzufügen, kommt es doch vor allem auf wichtigtuerisch-kompliziert aussehende Partituren und ideologisches Begleitgeschwafel an.

Getroffene Hunde bellen, und so wurde das Buch auch prompt in der „Neuen Zeitschrift für Musik“, dem selbsternannten „Leitmedium für zeitgenössische Musik“, verrissen; nicht ohne beiläufige Schmähkritik an Borstlaps eigenen Kompositionen, die übrigens überhaupt nicht konservativ klingen, wohl aber Musik sind statt „sonic art“.

Borstlap ist bei weitem nicht der einzige klassische moderne Komponist. Im Anhang stellt er zehn weitere vor, denen aber jeweils nur wenige Zeilen gewidmet werden. Auch wären Notenbeispiele, auf die in diesem Buch leider zur Gänze verzichtet wurde, hier besonders wünschenswert gewesen. Dass man über die eigentlichen Protagonisten der „klassischen Revolution“, über ihre Schwierigkeiten und vereinzelten Erfolge kaum etwas erfährt, ist der einzige Minuspunkt dieses Buches; angesichts der Erwartungen, die der Titel weckt, kein ganz geringer, und deshalb vergebe ich nur vier „Sterne“. Zwar kann man sich im Weltnetz weiter informieren, doch ein Teil der potenziellen Leser hat diese Möglichkeit nicht.

Ohne das Weltnetz wäre kaum zu ahnen, wieviele klassische zeitgenössische Komponisten es tatsächlich gibt, auch wenn sie sich oft mit künstlich erzeugten Klangbeispielen behelfen müssen, um ihre Musik vorzustellen. Denn noch ist die Avantgarde-Lobby mächtig: „Wo aber sind die Musikfestivals, die eine Plattform für neue klassische Musik mit Konzerten, Debatten, Erkundungen, Seminaren bieten? Wo ist der öffentliche Raum, der von den Fackelträgern eines neuen musikalischen Jahrhunderts erhellt werden kann?“ (S. 119). Eine Frage, die unbeantwortet bleibt.

„The Classical Revolution“ ist ein schöner Titel, aber eine Revolution wird es vermutlich nicht geben. Wahrscheinlicher ist, was sich dank des weitgehend unzensierten Mediums Weltnetz bereits andeutet: ein allmählich wachsendes Interesse an klassischer zeitgenössischer Musik, und eine Rehabilitierung jener Komponisten des 20. Jahrhunderts, die sich der Avantgarde verweigert haben. Hier wäre etwa Walter Braunfels zu nennen, dem diese Ehre bereits zuteil wurde; freilich vor allem deshalb, weil er als „Halbjude“ bei den Nationalsozialisten unerwünscht war. In einer Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts, die nicht nach politischen, sondern nach künstlerischen Gesichtspunkten zu schreiben wäre, würde die von der Politik und der Kulturförderung aufgeblähte Avantgarde nicht mehr als eine kuriose Fußnote sein.

„Wenn jemals ein wirklich großer Komponist erscheinen würde […], würde er genau all jene Kräfte und Mittel der Meisterschaft anwenden wollen, welche die Kunstform anbieten kann; und nur in der Vergangenheit würde er sie finden, und unvermeidlicherweise würden sie sich alle auf die Möglichkeiten der Tonalität beziehen und somit auf die innere Welt menschlicher Erfahrung. Das letzte was er sein wollte, wäre ‘modern’ in dem Sinn, wie es im letzten Jahrhundert formuliert wurde“ (S. 54). Solche Komponisten sind nicht ausgestorben; man muss sie nur entdecken. Dazu allerdings müssten die tonangebenden Gremien mit Leuten besetzt werden, die das Zufallsgeklimper von Kindern von richtiger Musik unterscheiden können.

Dem Buch und den weiteren Bänden der Reihe „Modern Traditionalist Classical Music“ ist auch ein deutscher Übersetzer und Verleger zu wünschen, denn nirgends dürften solche Botschaften wichtiger sein als hierzulande. „Der Schatten des Holocaust sollte nach einer Periode der Trauer die Schönheit nicht länger daran hindern, wiederzuerstehen und zur Heilung der europäischen/westlichen Zivilisation beizutragen. […] Wenn wir der Klangkunst erlauben, Musik zu sein, vollenden wir das Zerstörungswerk, das Hitler und Stalin in Gang gesetzt haben“ (S. 123). Damit verdeutlicht Borstlap, dass ästhetische und moralische Belange nicht voneinander zu trennen sind. Die „klassische Revolution“ ist nicht nur wünschenswert; sie ist notwendig.